RESEÑA
EL PAPEL DEL ARTISTA EN EL RENACIMIENTO
¿CUÁL ES SU ROL EN LA SOCIEDAD ACTUAL?
Una de las épocas más admiradas y reconocidas en la historia del arte es el Renacimiento, esta época comprendida entre los años 1350-1600, es el foco de estudio transicional en el que Larry Shiner en su texto “MIGUEL ÁNGEL Y SHAKESPEARE: EL DESPUNTAR DEL ARTE” esgrime ciertos puntos claves; y a partir del cual se sugerirán algunas reflexiones entorno al rol que puede y tal vez debe desempeñar en nuestra sociedad actual un Artista.
El renacimiento se identificó por no contar con una caracterización para el arte, una época en donde la privación de la autonomía con respecto a la libertad de expresión y manejo del artista en su obra, es latente. Un periodo en donde no hubo un concepto regulativo del artista que diferenciara o separará la labor de un pintor, un bordador o un arquitecto.
Los primeros inicios del arte se acentuaron en las elites, se carecía de un concepto moderno de lo estético (contemplación de obras autosuficientes) además de “un verdadero equivalente de nuestras bellas artes” ibídem pag 69.
Se presenta la clasificación entre las artes liberales (asociación poesía con gramática y retorica, teoría musical con geometría y la astronomía) y las artes mecánicas ( la pintura, la escultura, la sastrería, los trabajos en metal y la agricultura).
Es a partir de este contexto que el autor de “La invención del arte” Larry Shiner, inicia su texto “Miguel Ángel y Shakespeare: el despuntar del ARTE” abordando la música secular, la modificación que sufre el papel del juglar que pasa de ser un desacreditado personaje de entretenimiento medieval, a ser un sirviente domestico con ciertos benéficos, que cada vez fueron mucho mejores y que le permitieron moverse con libertad.
Se sugieren así en el texto, tres razones con las que se emprende la definición del concepto de artista en este periodo moderno:
Para tocar la primera razón que expone el autor es necesario el interrogar ¿Por qué la biografía del artista surge como un nuevo género literario?
Shiner manifiesta que tanto al pintor, como al escultor o arquitecto se le trataba como a una figura heroica, en relación con el modelo del poeta a partir de lo cual se le celebraban sus logros individuales, aquellos logros que iban mas allá de las habilidades de su oficio, nombrando la colección de Vasari como la mas famosa colección de biografías.
Con respecto al desarrollo del autorretrato segunda razón que se esboza y permite la construcción del concepto de artista, es posible establecer que el autor comenta que los primeros pintores de esta época (el renacimiento) inician retratándose entre la multitud en algunas de sus pinturas, posteriormente en Italia en 1450 surge el autorretrato independiente como forma de reclamar por parte de un pequeño grupo de artistas cortesanos “ los artistas de corte” una condición social mas elevada, llegando algunos de estos, a la atrevida pretensión como lo especifica shiner de “ ser vistos en sus pinturas como creadores” ibídem pag 75.
El ascenso del artista cortesano, es el tercer punto que permite ir trazando los pasos que permitieron la moderna imagen y condición del artista, pero que sencillamente tampoco propicio ese estado de autonomía y absoluta libertad que los artesanos/artistas considerados hasta el momento sin diferenciación
¿Qué diferencias podrán existir entre lo que hace el artista moderno en comparación a lo que se dedicaba “el artista de corte” de aquella época?
El artista de corte de aquella época entre los que es posible nombrar a Leonardo, Tiziano, Miguel Ángel y Durero se dedicaban a pintar retratos, decorar habitaciones y en algunos casos a pintar baúles y muebles a cambio de un salario anual, dietas y alojamiento. Su trabajo se dirigía a realizar una función específica, muy al contrario del artista moderno que gracias al desarrollo histórico del arte tiene la libertad de lograr una expresión personal y libre que va más allá de una simple funcionalidad. ¿Que sería del artista moderno si sólo le fuese aceptado hacer arte en pro de una funcionalidad? ¿Donde quedaría esa sed de expresión que sencillamente se plasma, nace y se siente, que va más allá de lograr algún tipo de finalidad especifica?.
Existieron en el renacimiento algunas prácticas que dieron importantes pasos hacia el espíritu moderno pero que todavía seguían lejos de los ideales del creador autónomo.
Una de esas prácticas del renacimiento es que los artistas/artesanos generalmente trabajaban por encargo, en talleres de producción cooperativa, bajo contratos para decorar iglesias, edificios públicos, muebles etc.
Con respecto a lo que atañe a los arquitectos shiner manifiesta que su situación es aun más compleja ya que las edificaciones debían adecuarse a aquellas que los libros tradicionales contenían, hasta que con Alberti se logra por un lado un ascenso de los arquitectos, su reivindicación y cierta libertad para modificar los diseños a medida en que avanzaba su trabajo.
Las mujeres narra el autor siguieron siendo activas en casi todas las artes, “casi todas” ya que el bordado fue un elemento que implico un interés especial con respecto al género, gracias a este se conformaron gremios de hombres que excluyeron a las mujeres definiendo su papel al desarrollo de labores domesticas y el cuidado de los niños. A partir del bordado se produjo su separación de la pintura logrando la subdivisión entre dos artes la pública y la domestica.
Se presentan unos cambios experimentados por las cualidades ideales del artesano/artista en donde hacia finales del siglo XVI el sentido científico de la invención se ve enriquecido por ciertas cualidades asociadas con la idea del poeta como lo son: la imaginación, la inspiración y el talento natural que muy bien define una a una shiner en el texto y que por evitar extenderme en el tema decido no entrar a debatir.
Me es pertinente hacer mención a que tanto la pintura como la escultura del renacimiento no eran valoradas con modernos criterios de originalidad sino por la manera y la gracia que tenían a la hora de superar las dificultades que planteaba la invención y la ejecución, en este sentido la destreza y la utilidad son el patrón imperante.
Es a partir de lo anterior que ya en el siglo XVIII, queda definitivamente separada la idea de ARTESANO/ARTISTA quedando reservado para el ARTISTA CREADOR ( la imaginación la gracia, y la libertad) y para el ARTESANO ( la destreza, el trabajo y la utilidad de las obras).
Shiner aborda ahora el tema de la obra desde dos personajes Shakespeare y Jonson, el primero que logro crear piezas incomparables manteniendo la imaginación y la técnica, forma y función y que (por necesidad) se negó a la imprenta y el segundo uno de los pocos escritores de obras de teatro que sistemáticamente dio a imprimir sus obras, lo que le proporciono a jonson a diferencia de Shakespeare el alcanzar una condición “laureada”. Ibídem, pag 88.
Se presenta el hábito de coleccionar guiado por impulsos piadosos, prestigio, exhibicionismo y el placer ante cualidades pictóricas.
Se emprende la expresión artística de “Artemisa gentileschi” la importancia de su autorretrato como alegoría de la pintura, como una afirmación de la igualdad intelectual y técnica de las mujeres pintoras, uno de los retratos mas dinámicos del siglo XVII, un vivo ejemplo de que todavía el artista y el artesano están representados en un mismo autorretrato.
Desde el punto de vista institucional se funda por parte de la monarquía francesa La Academia Royale de Peinture et de Sculpture como un paso más allá que contribuye a la liberación del arte con relación a la artesanía, se observa como una alternativa política y económica del gremio de parís que intentaba restringir a los pintores del rey, permite también el desarrollo de la figura moderna del arquitecto permitiéndole modificar los métodos de aprendizaje a través del taller además elevándose la condición social y la imagen del poeta.
Se establece que el término de “artista” se le podía aplicar a cualquiera que realizara un arte pero mas especialmente a los alquimistas, sobre el desarrollo de este punto shiner plantea conceptos como: el ingenio, el genio y la invención.
Para finalizar, el autor plantea la categoría de las Bellas Artes manifestando que al mismo tiempo que evolucionaba la idea de artesano/artista así mismo lo hacia el concepto de arte que aunque continuaba relacionando las artes liberales y mecanicistas ahora se observaba desde la perspectiva de la ciencia y el conocimiento, es por ello que shiner presenta claros postulados con respecto al tema de las cualidades del arte pasando por: Bacon, Thomas Hobbes, Galilei etc.
Se produce entonces la ruptura entre las Artes Liberales y las Artes Mecanicistas como consecuencia de dos procesos que tuvieron lugar durante el siglo XVII “el cada vez mas elevado reconocimiento de las ciencias como ámbito especifico de conocimiento y practica y la transformación de la retorica que de ser pensada como un conocimiento practico relacionado con la persuasión, paso a ser una cuestión de estilo y ornamento.” Ibídem pág. 110.
Se constituye como un factor determinante la persistencia de la funcionalidad de las artes gracias a que existía una evidente ausencia de instituciones como el museo de arte, el concierto y los derechos de autor que como se indica al finalizar este texto son los derechos que permiten distinguir el arte del resto de artefactos culturales.
El último elemento con el que cierra el texto Larry Shiner es el papel del gusto indicando que aunque las artes continuaban siendo consideradas por su UTILIDAD, durante el siglo XVII, existen algunas evidencias de que paulatinamente se fue imponiendo el papel del gusto, que en esta época significaba “la capacidad de discriminar alternativas en la vida social y en las artes” dicho gusto girando en torno muy comúnmente hacia el clasicismo (seguir los modelos ideales antiguos).
Después de haber discernido algunas de las ideas fundamentales en las que se construyó el concepto de artista, es necesario sugerir como en un inicio se anunció algunas preguntas claves que intencionalmente lo invitan a que se reflexione la postura de un arte con intención y sentido, uno encaminado hacia la pertenencia e identidad de la condición humana. Un arte que vaya más allá del Arte por el Arte, en donde un Artista pueda posibilitar una vida más legítima y humana a sus contemporáneos desde su quehacer, un Artista que permita dignificar la existencia humana y así como muchos autores del Arte afirman logre hacernos ver lo que solo pocos ven.
Si bien es cierto que en el renacimiento el artista no contaba con la libertad suficiente para expresarse libremente y ahora que en la actualidad si cuenta con esta facultad ¿Qué responsabilidad tienen los artistas en la sociedad actual?
¿Hasta qué punto la autonomía como factor determinante para la expresión de un artista y el desarrollo de su obra desde nuestra perspectiva contemporánea, permite que su trabajo goce de una función social o mínima de reflexión frente a la condición humana?
Por mi parte cierro esta reseña con una hermosa frase que expone Shiner, escrita por Pascal y que permite resaltar el papel de la intuición, el sentimiento y la tentativa de combinar la razón con la sensación…
“El corazón tiene razones que la razón no comprende, puesto que razona tácita, naturalmente, y sin arte”.
Angélica Angulo Torres.
Estudiante Lic. Artes Visuales
Universidad Pedagógica Nacional
